Que faut-il dire aux hommes ? Pour le dernier volet de son triptyque dédié aux parcours de vie hors normes, Didier Ruiz interroge la croyance. Pas de polémique, pas de scoop, mais un joli nuancier de propos sur la spiritualité.

Le sujet est sensible, si ce n’est inflammable. Mais il semble avoir fasciné le metteur en scène Didier Ruiz, qui a trouvé la solution pour l’aborder à fond. Ceux qui nous parlent sont des hommes et des femmes de foi. Ils sont tous animés par leur religion, et c’est ce même attachement à la croyance, aux rites, qui les caractérise. Le témoignage et les mots de ces acteurs (qui jouent leur propre rôle) produisent le meilleur des effets, même auprès des athées. Ils leur épargnent sacerdoce et prosélytisme de  comptoir, et obtiennent leur attention.

Les mots surgissent, de même que les personnages rentrent sur scène, baignés dans des lumières simples et délicatement orchestrées par Maurice Fouilhé. Et cette douceur agit comme fil conducteur entre trois tableaux d’un même ensemble formé par Une si longue peine —où des condamnés à de longues peines de prison se racontaient sur scène —, Trans (més enllà) — qui donnait la parole à des personnes transgenres —,et Que faut-il dire aux hommes ?.

Suite et fin d’une trilogie éclatante

Cette fois, ils et elles partagent le récit de leurs vies, semblables à bien peu d’autres. Une pasteure protestante assoiffée de liberté nous plonge dans la genèse de sa vocation. Un chamane revient sur son trip à l’ayawaska, tandis qu’un juif relate son épique bar-mitzvah. Un musulman, une nonne, un bouddhiste et un moine, prennent aussi la parole afin que les spectateurs élargissent leurs esprits. 

Car qui peut se targuer d’avoir rencontré en une vie autant de diversité ? C’est un des atouts majeurs de cette petite heure et demie passée assis dans le noir. Et pour vous en convaincre, on ne jouera pas ici de citations isolées, car le risque est trop grand de les rendre plus petites que ce qu’elles ne renferment. De même que mettre des mots sur la foi menace de la réduire.  Ainsi, le travail de Didier Ruiz, de Toméo Vergès et d’Olivia Burton, échappe à la platitude et provoque un spectacle fort qui ne verse jamais dans un miel dégoûtant. Aucun des témoins ne cherche à convaincre, ni à brosser qui que ce soit dans le sens de ses convictions. Avec la simplicité de celles et ceux qui placent leur existence entre les mains de Dieu, d’Allah, ou de Bouddha, un récit émerge : celui des origines, des embûches, des doutes et des bonheurs liés à ce fameux «je crois».

Si chacun de ces spectacles de la trilogie offre au public l’occasion de s’émouvoir du réel, ce dernier volet donne un supplément d’âme à un triptyque majestueux. Ce qui s’y joue est si humble que cela en devient grand. Et ce moment s’achève comme il a commencé, dans un souffle dont on ne sait ni l’origine, ni le destin, et qui nous effleure pudiquement jusque dans d’intimes questionnements.

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Que faut-il dire aux hommes ?, mis en scène par Didier Ruiz

Durée estimée : 1h30

Du 18 au 22 mai au Théâtre de la Bastille, à Paris

Retrouvez les dates de tournée sur le site de La Compagnie des Hommes

Crédit photo : Émilia Stéfani-Law

Pour sa dernière création, écrite, mise en scène, et concoctée au Théâtre national de Bordeaux Aquitaine (TnBA), avec sa compagnie Le Perdita Ensemble, Gérard Watkins s’intéresse au phénomène de l’hystérie. Un spectacle inégal, porté néanmoins par de bons acteurs qui, malgré leur conviction, naviguent en eaux troubles.

Au restaurant, un trio discute. À première vue, on parie sur un couple et sa belle-fille. On est vite dérouté lorsque chacun se présente à la salle comme médecin psychiatre. Tout au long du spectacle, on ne sait jamais trop si ces personnages sont amis, parents ou amants. Gérard Watkins sème le doute plutôt adroitement. S’annonce alors une démonstration, sous forme de conférence, à propos de l’hystérie. Deux patients seront examinés face à nous. 

Devant un pan de mur bleu-gris, troué de quatre portes, les trois docteurs évoluent dans un décor très sobre qui sent le paramédical. Éléonore, Charlotte et Jean-Marc prennent en charge Arthur, employé dans une pizzeria. Paralysé du bras gauche sans explication nette, il est soigné dans le centre dirigé par Éléonore. Avec lui,  Anaïs, bientôt fiancée, se mord tout le temps la lèvre et ne peut bouger le bras droit. S’amorce alors une sorte de thriller à la limite du voyeurisme, pendant lequel on s’essaie à déceler les troubles, les symptômes, les non-dits, de ces jeunes patients. Entre séances d’hypnoses et débriefing des médecins, on se régale tout autant des ficelles tirées pour donner à sentir le métier de psychiatre. La curiosité est piquée et la concentration à son comble. Mais malheureusement, le rythme va s’essouffler.

Une performance pesante

À trois ou quatre reprises, le metteur en scène court-circuite son récit, situé initialement, dans le centre psychiatrique. Il nous emmène d’abord dans une Grèce antique à la recherche d’Asclèpios, héros de la médecine, selon l’Illiade de Homère. Quelques scènes plus tard, on est au Moyen-Âge. Sans grande surprise, les femmes qui accusent leurs maris de défaillances sexuelles, y sont considérées comme des sorcières à brûler. Puis un peu plus loin, nous sommes à la Renaissance… Bref. 

En approchant cette névrose sous les angles historique et individuel, Gérard Watkins s’attaque aux préjugés sexistes, induits par le traitement de cette maladie. Et cet engagement revendiqué fait son petit effet, mais sans grande finesse. La pièce est alourdie par des éléments « performatifs » dangereusement penchés vers le ridicule : à mesure que Julie Denisse, qui joue Éléonore, fait des souplesses en hurlant, et que David Gouhier, dans le rôle d’un psy, mime de la pénétrer. Ces intermèdes historiques, censés découdre l’histoire d’une médecine pratiquée par et pour des hommes, occultent malheureusement la portée, disons-le féministe, de ce choix d’écriture. Gérard Watkins atteindrait presque son but, si seulement son texte ne se retirait pas (à l’attention du public) un peu tôt, trop souvent.

«Ysteria» écriture, mise en scène et scénographie de Gérard Watkins avec Le Perdita Ensemble.

Durée estimée 2h

Au Théâtre de la Tempête, à Paris, du 21 mars jusqu’au 14 avril.

À travers des histoires de famille enfouies, le Birgit Ensemble fait entendre les voix tristes et belles des effacés de la grande Histoire. Grâce à un récit situé entre la guerre d’Algérie et 2019, ce spectacle échappe adroitement aux discours mielleux et misérabilistes.

De manière apaisée, Julie Bertin et Jade Herbulot abordent des épisodes fondamentaux de cette décolonisation de l’Algérie, embarrassante pour la France. Les bidonvilles à Nanterre dans les années 1960, les exilés de la guerre, le sort tragique des harkis après l’indépendance, du 5 juillet 1962. Ces traumatismes sont portés à la scène sous forme de secret de famille. Et c’est par un mariage en 2019 que le tout, bien ficelé, va exploser aux visages de ceux qui portent, sans le vouloir, ce passé enterré. 

Car Karim et Alice se marient. Tous les deux sont français, lui, est d’origine algérienne. Judith Benhaïm, la maire qui les unit est juive, elle aussi d’origine algérienne et se réjouit de ce métissage, dans son discours aux époux. A priori, tout le monde est content. A part peut-être le père de la mariée,  carrément raciste, qui ne se rappelle pas du prénom de son gendre. Alors ça va péter. Parce que ça boit, ça bouffe et forcément ça déborde. Remontent à la surface des origines cachées, des souffrances enfouies et des non-dits terribles. 

Face à face 

Au milieu de la salle : la scène. Assis de part et d’autre, les spectateurs peuvent se voir. De même que les personnages doivent regarder dans les yeux leur roman familial, le public comprend une histoire différente de celles que racontent les programmes scolaires. Le Birgit Ensemble délivre ainsi un propos, pédagogique et efficace, sur la guerre d’Algérie, la mémoire, la patrie. Un spectacle qui ne manque pas de nous toucher ; sans que l’on s’y attende, sans que l’on s’en aperçoive.

« Les Oubliés (Alger-Paris) », texte et mise en scène du Birgit Ensemble, formé par Julie Bertin et Jade Herbulot.

Durée : 2h10

Jusqu’au 10 mars, à la Comédie-Française, Théâtre du Vieux-Colombier.

Solenn Denis écrit et crée Sstockholm en 2012 avec Erwan Daouphars, comédien et metteur en scène. Formant à eux deux le collectif Denisyak, ils remontent au Théâtre national de Bordeaux Aquitaine leur première création.

Après avoir vu leur Sandre, en mars dernier à Paris, on commence à sentir que ce duo s’anime par l’envie partagée d’un théâtre coup-de-poing. Pour Sstockholm, ils invitent la comédienne Faustine Tournan, qui tient le rôle de Solveig depuis la première heure. Comme Natasha Kampusch, la jeune fille qu’elle incarne est séquestrée par Franz, l’homme qui l’aime et qu’elle… finira par aimer.

En creux de ces personnages, dans chaque recoin de scène, en-dessous de chaque mot, le collectif Denisyak parvient à montrer du beau alors que tout semble atroce. Si l’histoire est terrible, l’expérience bouleverse tant par sa justesse que sa nécessité. 

Entretien avec Solenn Denis et Erwan Daouphars.

Arkult.fr :  Sstockholm est inspiré de l’histoire de Natasha Kampusch, mais pas que. Qu’y a-t-il au-delà de ce fait divers ?

Solenn Denis : Dans chaque pièce que l’on monte il y a l’idée d’une cellule, familiale ou amoureuse qui revient comme une obsession. C’est un endroit où il peut se passer le meilleur comme le pire. Et l’amour comme lieu de séquestration me semblait intéressant. J’ai l’impression que la pièce questionne comment, sous couvert de lien fort, il peut y avoir abus, possession et volonté d’enfermer l’autre.

Erwan Daouphars : Au plateau on a travaillé sur des ambiguïtés permanentes. Au départ on ne sait pas trop si c’est un couple ou un père et sa fille. Ce fil tendu nous plait, ce suspense qui monte et tient le spectateur en haleine nous semble important. Les spectateurs confortablement assis dans leurs fauteuils, c’est pas notre truc. Donc on a tout fait pour travailler comme sur un ring : le placement des tables, la manière dont on avance les chaises pour créer des focus, les ombres sur la porte, etc. Tout le dispositif est pensé comme de la matière anxiogène.

« Les spectateurs confortablement assis dans leurs fauteuils, c’est pas notre truc »

Erwan Daouphars

Arkult.fr : Comme dans Sandre, votre précédent spectacle, vous racontez une histoire particulièrement dérangeante. Comment se travaille ce malaise, dans le récit et dans le jeu ? 

Erwan Daouphars : Déjà dans le texte, on parle de séquestration, d’infanticide chez Sandre, donc par le sujet que Solenn choisit pour écrire, on est dans des choses particulières. Pour créer le malaise, le dérangement, on travaille beaucoup sur les silences, l’immobilité et les actions soudaines. Susciter de l’attention et de la tension, ça se traduit au plateau par des nuances extrêmement rapides d’émotions profondes. Entre nous c’est venu assez naturellement.

Solenn Denis : Spontanément, ce fonctionnement nous excite. Ce n’est pas nécessairement déranger, mais au moins questionner.

Arkult.fr : Justement, qu’est-ce que vous avez voulu questionner ?

Erwan Daouphars : Quand il n’y a pas d’équilibre dans un couple, pas d’acceptation de l’autre, des jeux de pouvoir s’opèrent. Alors on a questionné le rapport au pouvoir dans les relations passionnelles, les chantages affectifs, l’humiliation, la soumission.

Solenn Denis : Les trois-quarts des couples sont dans le « ton corps et ton esprit m’appartiennent ». Dans ce cas, il n’y a plus de vie individuelle : tu fais partie d’un tout et tu n’es plus toi-même. On trouve cela terrible. Mais on a également voulu questionner la mémoire et l’imagination. Même enfermée physiquement, Solveig continue à s’évader dans sa tête. Sstockholm parle donc aussi d’imaginaire. On assiste à des scènes qui se répètent du passé, à la manière de spirales. Comment un souvenir peut être retenu différemment, selon que l’on se place dans l’esprit de Franz ou celui de Solveig. Elle n’arrive pas à se remémorer exactement cet épisode de sa vie, et se rappeler c’est déjà réinventer. Raconter une histoire, c’est déjà ça faire théâtre. 

« Parfois il faut bien se faire botter le cul, ça fait des électrochocs pour le cerveau »

Solenn Denis

Arkult.fr : En quoi c’est important de « faire théâtre » de façon si radicale ?

Erwan Daouphars : Je crois qu’on a besoin de radicalité. Il y a tellement de forces de proposition dans le théâtre contemporain français, qu’une sorte de torpeur s’installe dans le public. Que les gens sortent du spectacle en ayant juste aimé le jeu d’un acteur ou les lumières, nous on s’en fout!

Solenn Denis : Le tiède ne m’intéresse pas. Je m’ennuie très vite et je ne suis pas en vie pour m’ennuyer, mais pour palpiter. Alors quitte à fabriquer quelque chose, autant le faire de manière excitante. Et puisque les énergies circulent, on espère que le public sera remué lui aussi. Car si on brosse les gens dans le sens du poil, il ne se passe pas grand chose. Parfois il faut bien se faire botter le cul, ça fait des électrochocs pour le cerveau. Les spectateurs se rappellent qu’il ne faut pas oublier de vivre et d’avoir soif de liberté.

Erwan Daouphars : En tant qu’acteur, j’ai la passion du jeu. Je trouve qu’il y a de moins en moins d’exigence dans le jeu de plateau chez les jeunes. Le discours qui voudrait que l’on ait un « truc », basé sur sa personnalité, ne me convient pas. C’est comme la danse : ça se travaille, et il faut une vie pour bien jouer. Cela nous passionne et on passe beaucoup de temps sur la direction d’acteur. 

Arkult.fr : Et en parlant du jeu, qu’est-ce qui vous nourrit dans le fait de vous pousser dans vos propres retranchements ? 

Erwan Daouphars : Emmener le spectateur de l’autre côté de la barrière est un réel objectif. Il faut qu’il puisse se rendre dans un endroit qu’il n’a jamais vu. J’aimerais qu’il se dise qu’il s’est fait embarqué par un comédien, avec lui, loin dans la conscience, la réflexion, la sensibilité. Et si je n’y vais pas à 100%, le spectateur restera forcément à l’extérieur. Cela nécessite énormément de générosité. Dans le collectif Denisyak, les acteurs ne rentrent pas en pantoufles sur le plateau, ça n’existe pas, et a fortiori sur des sujets comme ceux-là.

Solenn Denis : Ce qu’on aime, c’est raconter des histoires. Depuis l’enfance, j’aime qu’on m’en raconte, j’aime en raconter. Se transmettre des histoires, de famille en famille, de génération en génération, c’est ça être humain ! On parle tellement à tort et à travers que, d’un coup, raconter une histoire, ça peut permettre de grandir. Et l’acteur c’est ce qu’il fait : il raconte une histoire.

Arkult.fr : Qu’est- ce qui vous intéresse dans les histoires de ces humains qui se révèlent être des monstres ?

Solenn Denis : Cela  nous intéresse parce que ce n’est pas simple. Parler du bien du mal de manière manichéenne, c’est d’une fadeur… On s’en fout ! Dans la vraie vie, c’est bien plus torve et complexe. Cela permet de garder dans le coin de sa tête qu’on est tous potentiellement monstrueux. Les pièces de théâtre servent à cette catharsis là. Pour que cela opère, on a besoin d’intensité de jeu, d’intensité de mise en scène, d’intensité du texte. Les curseurs sont au maximum afin que le public puisse, l’air de rien, vivre quelque chose et y trouver un écho. 

Erwan Daouphars : C’est jubilatoire pour le spectateur, ça le change des spectacles trop lisses, qui ne nous intéressent pas. On a envie de redonner un sens à un théâtre qui se dirait essentiel. On est pas là pour enfiler des perles, mais pour que ça envoie du bois ! Sans cela on est pas satisfait, on a l’impression de faire ça pour rien. La question est toujours : pourquoi faire un spectacle ?

Propos recueillis par Philippine Renon.

« Sstockholm », texte de Solenn Denis mis en scène par le Collectif Denisyak, avec Erwan Daouphars et Faustine Tournan.

Au Théâtre national de Bordeaux Aquitaine (TnBA) jusqu’au 1er février. Durée 1h environ. Plus d’informations sur : http://www.tnba.org/evenements/sstockholm

Crédits photos © Pierre Planchenault

Le jeune metteur en scène, Maxime Contrepois, monte Après la fin d’après Dennis Kelly. Un drame psychologique d’une profondeur bluffante.

Mark vient de sauver Louise d’une attaque nucléaire, mais elle ne se souvient pas de la catastrophe. Pour se protéger des radiations, les deux survivants évoluent, cloîtrés dans un abri atomique. Entre refuge et prison, la scène devient le théâtre d’une cohabitation de plus en plus inhumaine.

Au cours de cette colocation forcée, on apprend à connaître Mark. Il est amoureux de Louise, mais elle en aime un autre. Insidieusement mais sûrement, un rapport de domination s’installe sous nos yeux. Sous l’homme attentionné, Mark révèle un garçon rejeté et blessé, qui exige qu’on l’aime. Un béton triste et froid enveloppe cette intrigue terrifiante. On peut parfois se surprendre à détourner le regard d’une scène trop dure. Comme pour se rappeler que l’on n’est pas dans le bunker avec les personnages. La trentaine à peine, Maxime Contrepois nous fait perdre nos repères. Un procédé aussi grisant que fondateur de la représentation théâtrale.

Une authenticité qui prend aux tripes

Dans cette pièce, Dennis Kelly évoque comment l’instinct de survie déshumanise. Mais Après la fin explore aussi le champ de la frustration, sociale et affective. Et peut-être surtout, comment elle explose dans un espace confiné. Pour son troisième spectacle, le jeune metteur en scène nous explique s’être emparé d’un texte où la « parole produit des situations ». Dès lors, il n’hésite pas à demander aux acteurs un « travail titanesque ».  Ils travaillent jusqu’au trouble, comme chez Krystian Lupa, pour se fondre dans leurs rôles. Elsa Agnès et Jules Sagot se glissent dans leurs personnages avec une authenticité qui nous prend aux tripes.

De grands bains noirs opaques scandent le spectacle avec un rythme impeccable. Ce travail de lumière est rondement mené par Sébastien Lemarchand. Le spectateur peut prendre le temps de se remettre d’un choc, ou de saisir l’ampleur de ce qui vient d’être dit. Alors qu’Après la fin prend pour toile de fond l’asservissement d’une femme, le rapport entre les sexes n’est pas l’unique sujet. Rejeté par un groupe à cause de sa différence, de sa difficulté à tisser un lien social, Mark est délicatement bercé de contradictions. Le monstre présenté dans la première partie du spectacle peut tout à fait attendrir dans les derniers instants. Maxime Contrepois place au coeur de son propos que « les salauds ne sont pas des monstres mais des êtres humains ». Un spectacle subtil, porté par une mise en scène délicate et puissante. 

Après la fin, de Dennis Kelly, mis en scène par Maxime Contrepois
Avec Elsa Agnès et Jules Sagot
Durée 1h30 environ
Dates de tournée à retrouver sur : https://www.theatre-contemporain.net/spectacles/Apres-la-fin-24901/lesdates/

Dans son tout premier texte écrit pour le théâtre, l’écrivaine Nathalie Sarraute se demande à quel point l’obsession des hommes peut entraver les femmes à prendre part au dialogue. Elle est là est une pièce qui démonte finement la mécanique de l’échange grâce à un duo brillant de psychorigides convaincus.

H2 est un homme et il a un avis. Mais sa collaboratrice, F, n’est pas d’accord avec lui. Il s’obstine à convaincre cette adversaire qui le désarme sans cesse par un silence mutin. Alors, il s’agace. Parce que c’est une femme ? Dans sa robe bleu nuit et ses talons aiguilles, elle parade, claque des portes : elle ne veut pas discuter. Lui, cherche à la convaincre. Alors il la convoque pour un échange serein, mais soudain il s’emporte, la bouscule et l’effraie. 

H3 arrive en scène, c’est un homme lui aussi. Il semble encore plus toqué à l’idée que l’on puisse ne pas être d’accord avec son acolyte. Les deux obsessionnels complotent pour que cette femme flanche sous leurs avis. Car la misogynie, elle aussi, « est là ». Tellement ordinaire mais tellement flagrante que les mâles se ridiculisent.

Progressivement H2, que Gabriel Le Doze incarne à la perfection, constate son impuissance à susciter le débat. Avec une grande justesse, le comédien nous fait sentir que le doute s’installe dans les tréfonds de son esprit. Va-t-il se résigner ? H3 lui s’y oppose, catégoriquement. Bernard Bollet se glisse brillamment dans ce rôle : encore plus borné que son compère qui flanche, il ponctue ses propos de mimiques esquissées, ce qui confère à la pièce un brin d’humour assez frais. Et ce n’était pas gagné d’avance pour ce texte conceptuel qui peut paraître abrupt. La mise en scène sobre et les acteurs excellents nous offrent la voie royale pour accéder à cette œuvre éclairant les rapports que chacun entretient avec ses certitudes.

« Elle est là » de Nathalie Sarraute, mis en scène par Agnès Galan
Distribution : Nathalie Bienaimé, Gabriel Le Doze, Bernard Bollet, Tristan Le Doze
Les mercredis, jeudis et samedis jusqu’au 29 décembre 2018, à 19 heures au Théâtre de la Manufacture des Abbesses
Plus d’information sur : https://www.manufacturedesabbesses.com/theatre-paris/elle-est-la/ 

Pour ouvrir la saison du théâtre national de Bordeaux, Catherine Marnas monte La Nostalgie du futur. Un aplat de textes de Pier Paolo Pasolini et de Guillaume Le Blanc qui manque de profondeur. Le cinéaste italien et le philosophe français ne parviennent pas vraiment à se rencontrer sur scène.

Entre la carcasse d’un bateau échoué sur le plateau et de grands pans de tissus qui délimitent l’arrière-scène, on ne sait pas trop où l’on est. Sur ces tentures, le designer et réalisateur Ludovic Rivalan développe une très belle création vidéo. On plonge grâce à lui dans une forêt de lucioles, ou dans un tableau représentant le Christ : il s’agit de La Déposition, peinte à la Renaissance par l’italien Pontormo. On débarque sans transition sur le tournage de La Ricotta, un film de Pasolini sorti en 1963. 

Dans ce spectacle de Catherine Marnas, c’est effectivement la parole du cinéaste et poète italien disparu qui est interrogée de nouveau. Les auteurs se demandent ce que « cet ennemi de la mollesse penserait de notre monde contemporain dans lequel l’argent creuse de plus en plus profondément des inégalités révoltantes ». Soigneusement renseigné dans la note d’intention, ce questionnement fondateur est à peine perceptible. Au fil de la pièce, la pensée foisonnante de Pasolini s’entend difficilement malgré la mise en forme de Guillaume Le Blanc, coauteur du spectacle.

Quelques scènes plus loin, une dispute éclate. De tristes sires s’acharnent sur celui qui incarne la « jeune génération »… Se sent-il à l’aise dans la société numérique, capitaliste et consumériste dans laquelle il vit ? A priori oui, mais visiblement non, et puis finalement si. Yacine Sif El Islam se bat comme un beau diable avec ce texte obscur. Le comédien s’illustre par sa capacité à captiver le public en transcendant un débat battu et rebattu. C’est dire la prouesse de l’acteur qui déploie un charme saisissant et difficile à décrire. Mais ce passage isolé se perd malheureusement dans un propos confus.

Deux clochards défroqués dissertent régulièrement sur la vie ou la mort à grand coup de phrases vides. Si fil rouge il y a, c’est probablement celui-ci… Lors d’une répétition, la metteure en scène revendiquait ne pas livrer un récit linéaire. De ce point de vue, c’est chose faite. Mais si l’on vient voir La Nostalgie du futur pour en apprendre plus sur l’univers de Pasolini, on risque la déception. Les extraits de textes déclamés entre deux séquences de tournages pasoliniens sont de trop petites portes d’entrée dans sa pensée complexe. La volonté d’éclater les lieux, les temps, les registres de la représentation sombre dans un désordre voulu, ou dans l’incohérence.  Au choix.

« La nostalgie du futur » d’après Pasolini et Guillaume Le Blanc, mis en scène par Catherine Marnas
Au TNBA, Théâtre du Port de la Lune à Bordeaux jusqu’au 25 octobre.
Plus d’informations sur http://www.tnba.org/evenements/la-nostalgie-du-futur

S’approprier un drame, reprendre un procès, le monter au théâtre pour le rendre aux familles et l’offrir au public. Milo Rau fait tout cela dans son avant dernier spectacle qui tourne avec succès depuis Avignon dernier. La Reprise. Histoire(s) du Théâtre (I) est une création majeure, indispensable et forte.

Ihsane Jarfi est un homosexuel d’origine maghrébine. En avril 2012 à la sortie d’un bar, il est assassiné, au préalable torturé. Mais quel est le rapport entre ses origines, la crise de l’emploi à Liège et son attirance pour les hommes ? Milo Rau ne répond pas et pour cause, c’est toujours un mystère pour la famille et les juges. À l’époque du drame, toute la ville fut secouée et l’incompréhension quant au mobile des tueurs, inspire l’artiste suisse.

Si ce n’était pas arrivé, on aurait dû l’écrire tant ce fait divers est un nœud des maux de notre temps. Racisme, homophobie, désœuvrement des chômeurs, espaces publics dangereux, etc. Tout y est pour le drame dans sa forme ancestrale : inexplicable meurtre et abîmes de tristesse. Milo Rau s’en empare pour un théâtre du réel. D’un naturalisme cru, violent mais parfois drôle, cette dernière création est la première à faire suite au « Manifeste de Gand » (à retrouver dans l’article de Christophe Candoni sur Sceneweb).

Milo Rau propose un théâtre généreux. Un.e spectateur.trice exigent.e se rassasiera d’une œuvre quidécortique les rouages de la représentation ; se demandant, par exemple, comment débuter un spectacle ou bien l’achever ? Ou quelle distance est la bonne pour montrer la mort ? Mais les moins techniciens ne seront pas en reste grâce à un propos fort, parce que universel. Pourtant c’est bien un cas des plus particuliers qui est à l’origine de ce récit, à la mise en scène pointue et le ton faussement désinvolte. Plongés au cœur de la scène dans une expérience viscérale, on ne peut échapper aux questions qui nous tarraudent tout au long de la pièce.Milo Rau sur le fil, ravive d’un rythme impeccable, une tension nécessaire et d’intérêt général.

« La Reprise. Histoire(s) du Théâtre (I) » conçu et mis en scène par Milo Rau.
Au théâtre de Nanterre-Amandiers, jusqu’au 5 octobre 2018.
Autres dates de tournée sur https://www.theatre-contemporain.net/spectacles/La-Reprise-Histoire-s-du-theatre-I/lesdates/

Qu’est-ce qui peut bien mériter de s’enfermer dix heures dans une salle de spectacle ? Un effet de mode sans doute, la clim’ et les banquettes de la FabricA certes, mais peut-être et surtout l’expérience du théâtre. Tous les prétextes sont bons pour aller voir « Joueurs, Mao II, Les Noms », la dernière création de Julien Gosselin.

Un attentat se prépare au World Trade Center, celui des années 1980. Dans un appartement un couple se déchire, se masturbe et s’ennuie. À première vue quel rapport ? Joueurs, premier volet du spectacle, y répondra pour nous. Mao II, le deuxième, questionne le rôle de l’écriture dans un monde gangrené par l’idéal terroriste. Il est presque 23h lorsque s’amorce Les Noms, ultime partie de la soirée. Un homme seul assassine en Méditerranée des victimes choisies par leurs initiales. Julien Gosselin convoque magistralement l’Histoire en une pièce qui présente de façon irradiante les maux de notre temps.

De la violence, donc. Tissée comme un fil rouge elle n’est jamais illustrée mais expérimentée pour traverser les trois romans (dont Gosselin garde les titres) de Don DeLillo. Spectateurs et comédiens sont à leurs places respectives poussés vers leurs limites : épuisement des corps, excitation de l’ouïe, perte de la notion de temps, sommeil, envoûtement. De quoi faire taire les idiots qui déclarent en sortant, furieux et peu inspirés, qu’ils ne vont pas au théâtre pour voir du cinéma.

Connu pour éprouver, questionner le théâtre, le metteur en scène phare de l’École du Nord, use ingénieusement de la caméra embarquée. Elle est sur le plateau un personnage en soi, prodigieusement maniée par Jérémie Bernaert et Pierre Martin (respectivement régisseurs et créateur vidéo). Outil mais pas seulement, le cinéma permet de raviver la question de ce que l’on montre ou pas dans une salle de spectacle. Et il ne faut pas moins d’une petite dizaine d’heures à Julien Gosselin pour cerner les contours, explorer les ressorts d’une mécanique actuelle : le terrorisme.

L’ambition est haute mais le spectacle s’y hisse.

Quoi de mieux que l’Histoire pour rappeler à la salle que l’islamisme radical semé partout dans le monde n’a vraiment rien inventé ? Consumérisme des biens, des plaisirs, des désirs : une société malade de trop de facilités fabrique en son propre sein l’idée de sa destruction. Trop fin pour le déclarer sur un ton dogmatique, l’habile chef-d’orchestre compose une pièce très fine qui donne généreusement au spectateur les clés pour comprendre son époque. Un tour de force qui réside dans une capacité à faire digérer un festin de dix heures qui sert du terrorisme marxiste, de l’Amérique des expats, la funeste secte Moon et l’amour qui se meurt. Rien que ça, en effet ! L’ambition est haute mais le spectacle s’y hisse.

Envie irrésistible de ne pas lâcher son siège. Fatigué ? Affamé ? Vous pouvez tout à fait sortir pour prendre l’air, griller une cigarette ou faire une petite sieste. Mais l’on ne veut pas souffrir de ces besoins triviaux tant on est accrochés par ce qui se passe sous nos yeux. Le seul risque encouru est d’en rater une miette. Une savante lumière propose des atmosphères toujours plus saturées d’une sensualité folle. Le corps est à l’honneur, sublime et tellurique. Tous les sens s’alertent aux vues des performance de monuments d’acteurs. Un espace temps théâtre puissant et manifeste.

« Joueurs, Mao II, Les Noms » d’après Don DeLillo. Adaptation et mise en scène de Julien Gosselin
Dates de la tournée sur : https://www.theatre-contemporain.net/

Pupitres, instruments, micros, projos. Anouk Grinberg et Nicolas Repac avancent sans décors ni costumes. Pourtant vêtus de noir ils semblent complètement nus. Une musique émouvante, une voix envoûtante,  la poésie diffuse nous transperce sans qu’on s’en aperçoive. « Et pourquoi moi je dois parler comme toi »  une mise en mot bouleversante de « Textes Bruts » puissants.

Certains passent pour de l’écriture automatique, technique de rédaction spontanée très prisée par les surréalistes et dadaïstes. Mais cette littérature est celle d’internés en hôpital psychiatrique. La plupart des auteurs ne sont donc pas artistes, et pourtant…  Bien que la société les ait écartés, ils sont les mieux placés pour exprimer un désir de vie. Si certains sont malades, d’autres sont juste sensibles. Leur point commun est d’être tous des incompris, privés de parole artistique et sociale.

Leurs mots s’échappent un temps des murs des hôpitaux, de même que leurs maux s’enfuient par leurs plumes. Ce sont des lettres à leurs proches qui les ont enfermés, ou des journaux intimes où sont librement rédigés leurs désirs les plus fous. Les textes que l’on entend sont assez tristes souvent, mais drôles aussi, parfois. Et lorsque l’on s’amuse, c’est rarement volontaire, comme à la dérobée. Car le geste artistique d’un tel spectacle est loin d’être voyeur, encore moins impudique.

Sur un plateau simple, dénué d’artifice, le duo se saisit de ce phrasé dit « brut » et gagne le spectateur d’une osmose caressante. La souplesse des notes de Nicolas Repac épouse la chair des mots qu’Anouk Grinberg souffle d’une voix brune et suave. Le passage à Lili rend une grâce authentique à un cri pour un corps qui conquiert l’assemblée. Dans un savant mélange de musique et de verbe, « Et pourquoi moi je dois parler comme toi » nous murmure à l’oreille un tumulte intérieur qui peut faire chavirer.

« Et pourquoi moi je dois parler comme toi » par et avec Anouk Grinberg et Nicolas Repac

 

À bord de l’Arctique Serenity, six passagers. On ne sait pas ce qu’ils y font et d’ailleurs eux non plus. Polar d’anticipation, on est en 2025. Arctique se déroule dans les couloirs d’un paquebot, sur fond de colonisation du Groenland à venir. Après Tristesse, créé en 2016 au Festival d’Avignon, Anne-Cécile Vandalem signe le deuxième volet d’une trilogie sur les échecs humanitaires de notre temps. Cette épopée à huis-clos confirme que la metteure en scène belge est une autrice virtuose.

Une bourgeoise qui hurle et trimbale son mari en cendres dans une boite à biscuits. Un faux débile, lui, dégobille son mal de mer dans les sceaux à champagne. Une vieille cataleptique vide ses bouteilles d’oxygène entre deux pertes de conscience tandis qu’une voix rauque s’échappe d’une femme mystérieuse, emmitouflée dans sa combi de ski. Deux passeurs méfiants parquent cette joyeuse bande dans le salon d’un ferry qui en 2017 fut saboté par des militants écologistes.

Prisonniers sur la scène et poursuivis par une caméra, ils s’aventurerons dans les couloirs glacés et interdits du bateau : l’Arctique Serenity. Pas si serein que cela… Anne-Cécile Vandalem explore les réflexes de survie de personnages d’origines sociales différentes. L’humain n’y survit pas et tout devient permis au fil de la traversée. Mensonges, manipulations et dissimulations s’intensifient lorsque le remorqueur qui les tracte largue l’amarre. Dès lors ils dérivent et attendent la mort. Dramatique et jouissive, l’aventure est bombardée de péripéties hilarantes mais tout aussi pétrifiantes.

Casting homogène et puissant. Usage savant et pertinent de la vidéo. Exquise composition musicale. Exploitation virtuose de l’espace de la scène. Interaction délicieuse avec un spectateur qui s’effraie presque autant qu’il éclate de rire. Sans jamais une fadaise, Anne-Cécile Vandalem livre la preuve d’un vaste et subtil talent à politiser un récit. Une pépite.

« Arctique » écrit et mis en scène par Anne-Cécile Vandalem.
À La FabricA jusqu’au 24 juillet 2018
Dates de tournée sur : http://www.dasfrauleinkompanie.com/df/arctique/

Le metteur en scène Lituanien Oskaras Kosrunovas actualise le mythe de l’imposteur et réussit à transposer la partition de 1669 aux politiques nationalistes actuelles. Teinté de baroque et de burlesque, la pièce ne perd pas une once de la légèreté de Molière. Pour sa cinquième fois au Festival d’Avignon, le fondateur du Oskaro Korsunovo Teatras à Vilnius, conquiert l’Opéra Confluences.

La plupart s’arrêterons à l’esthétique du kitch. Dommage de penser une pièce par ce seul biais visuel. Certes il y a du très chic, avec la mère d’Orgon qui porte une rangée de perles, et du un peu moins chic chez Valère en survêtement Adidas. Mais ces costumes improbables renferment bien des caractères. Marianne, promise à Valère, est en pleine crise d’ado : elle a les cheveux roses, se maquille beaucoup trop et passe sa vie sur Snapchat. Mais Tartuffe, l’imposteur déguisé en prêtre, s’infiltre dans la famille pour tenter de l’épouser et récolter tout l’argent de son gros bourgeois de père, Orgon.

Si Molière propose une satire de la société au siècle de Louis XIV, Oskaras Korsunovas fait de même mais avec son époque. Bourrée de trouvailles hilarantes, la mise a jour y puise toute son énergie. À commencer par la vidéo, montrant les acteurs en train de jouer. Les nombreuses apartés dont recèle le texte prennent la forme de confessions, face-caméra en coulisses. C’est à a fois bien trouvé, bien dosé et efficace. Les frontières de la salle sont alors élargies et le 4e mur s’effondre avec humour : la caméra à l’épaule est loin d’être un caprice. Le récit s’actualise, non pas car l’outil est bel est bien moderne, mais plutôt parce que ce qui se tourne ressemble à une télé-réalité.

Mais Tartuffe c’est d’abord une fable comique. Et pas une once du texte, fondamentalement subversif, n’échappe aux comédiens. Casting équilibré : on ne sait dire lequel est meilleur que les autres. Entre éclats de rire allègres et raillerie politique, l’ironie est toujours fine et proportionnée. Korsunovas colle au texte mais l’augmente d’un pamphlet contre les dirigeants populistes d’aujourd’hui, et c’est bien à propos !

« Tartiufas » m.e.s par Oskaras Korsunovas d’après le « Tartuffe ou l’Imposteur » de Molière
Plus d’informations sur : http://www.festival-avignon.com/fr/spectacles/2018/tartiufas

Tout y est mais, la dernière mise en scène de Chloé Dabert ne parvient pas à faire taire les mauvaises critiques. Les vers de Racine sont loins d’être incarnés et les acteurs n’arrivent pas à s’approprier le texte. Cette adaptation d’Iphigénie, prometteuse pourtant, est froide. Une lourde déception dans le splendide cloître des Carmes qui accueille la pièce.

La guerre de Troie se prépare et le roi de Mycènes consulte les oracles car le vent ne souffle plus. Sa fille, Iphigénie, doit être sacrifiée pour regonfler les voiles des bateaux arrêtés depuis trois mois déjà. Promise à Achille, la princesse se résout au sacrifice de sa vie et sauver de son geste la gloire de son père. L’audace de Chloé Dabert de s’attaquer à ce classique est ici à souligner, tant elle a l’habitude des textes contemporains. Pourtant cela ne suffit pas pour être convainquante, malgré un certain nombre de très bonnes idées. 

Les costumes impeccables, noirs et blanc ou gris-bleus, donnent toute leur splendeur aux personnages illustres de la pièce de Racine. Adroite mise à jour des nobles caractères inspirés de la mythologie grecque. Mais quels caractères ? Totalement bloqués par la forme du vers, les protagonistes manquent cruellement d’incarnation, de liberté de jeu. Complètement enfermés dans des mouvements rigides et souvent assez lourds, ils récitent lentement, sans même parfois échanger ne serait-ce qu’un regard. Iphigénie est un texte qui appelle au tragique, à un haut sentiment propre aux aristocrates, les figures de ce drame. Chloé Dabert le sait, mais l’effleure seulement.

La très belle bande sonore pallie un peu à ce manque, mais ne comble pas assez les vides d’expression qui accidentent la scène. La scénographie profite peu de l’espace magnifique, en plein air de surcroît. La pierre du cloître des Carmes subit quatre étages de ferraille : image du royal campement ou la proue d’un bateau ? On ne sait plus très bien. L’impression générale est de l’ordre de l’ennui mais peut-être surtout de la déception.

« Iphigénie » d’après Racine, mis en scène par Chloé Dabert
Dates de la tournée 2019 sur : https://www.theatre-contemporain.net/

Raconter la guerre mais pas comme aux infos : quatorze comédiens nous la susurrent à l’oreille. Bercés par une douce pénombre leur récits sont terribles. Le metteur en scène Gurshad Shaheman choisit les témoignages d’artistes ou de personnes issus de la communauté LGBTQI+ et sa proposition est forte.

Plongée dans un noir profond, la salle écoute d’abord un garçon détailler son coming-out à sa mère. Une voix féminine s’adosse à la sienne pour laisser la parole à une transexuelle. Vivre de l’intérieur les bombardements en Irak, les fusillades de Bachar Al-Assad, là est le tour de force de Gurshad Shaheman. Né en Iran pendant la Révolution, l’acteur, performeur et metteur en scène a passé son enfance sur le front au combat dans les années 1980. Il se fait également le porte-parole d’exilés, lui qui a quitté son pays pour rejoindre la France, ainsi le recours aux micros permet de baigner à la fois dans la grande et la petite histoire.

Les mots dévoilent une fuite, celle du Moyen-Orient et des pays du Maghreb, qui ne s’explique pas seulement à cause des guerres locales. Persécutés du fait de leurs identités, particulièrement de genre, ces anonymes dont ne parlent quasiment pas les JT, ont trouvé sur la scène une voie pour s’exprimer. Mais pas question pour l’auteur de brosser le portrait de victimes de l’Histoire. On sent, tout au contraire, le désir de conquérir enfin sa liberté.  Les représentations, avignonnaises seulement, s’enrichissent de présences, celle de quatre exilés au milieu des acteurs. L’un chante dans sa langue, l’autre lit un texte en arabe ; on les démasque à peine et c’est revendiqué.

Au rythme aléatoire de leur prise de micro, les personnages allument ou éteignent une petite lampe, au sol, devant eux. Une « mise en présence plus qu’une mise en scène », comme le révèle Gurshad Shaheman en conférence de presse. Cette jolie trouvaille ouvre l’imagination d’un spectateur qui peut y comprendre un campement, pourquoi pas dans la jungle, mais de Calais bien sur. La pleine lumière revient et l’on découvre enfin que le temps du spectacle les comédiens avaient gardé les yeux fermés. Appel à l’Occident ? Peut-être qu’il est temps d’ouvrir grand les nôtres. Regarder en face ce qui se déroule aux portes de notre Europe, questionnée, divisée et prise à témoin désormais.

« Il pourra toujours dire que c’est pour l’amour du prophète » texte et conception de Gurshad Shaheman
Dates de tournée à retrouver sur : https://www.theatre-contemporain.net/

Théâtre de témoignage ou de documentaire ? Didider Ruiz répondrait « théâtre de l’humain ». Metteur en scène de Trans (més enllà), il donne à voir les parcours de sept personnes forgées par une décision, un trajet : changer de genre. Pour sa création, la pièce se joue lors de la 72e édition du Festival d’Avignon.

La première jupe revêtue pour un petit garçon, le premier soutien-gorge enfilé pour un homme marié. Les familles acceptent rarement le changement de sexe, l’explication aux autres est souvent accidentée. La mise en scène, très sobre, offre un accès direct au récit de celles et ceux qui, déjà jeunes se sentaient prisonniers de leur enveloppe. Alors ils vont la changer, la modeler, la retoucher : ils racontent comment, pourquoi et depuis quand. On comprend finalement qu’au bout du long chemin de la transformation, le but poursuivi est l’apaisement de soi.

Fiers d’un accomplissement, les comédiens portent le même sourire, délicieusement mutin. Ils affichent le visage d’une revanche sur la vie, celle d’avant, plutôt triste. Les spectateurs pleurent, et rient aussi volontiers car les questions qu’un transexuel (ou transgenre) se pose sont parfois triviales. Conserver son pénis ou se le faire enlever quand on cesse d’être un homme ; garder ses seins ou non quand on ne se sent plus femme ? Voilà les interrogations auxquelles on est convié, par petites touches d’un humour tendre et raffiné.

La chorégraphie de Tomeo Vergés, collaborateur de longue date du metteur en scène, donne au corps toute sa place. À ceux qui se diraient que les témoignages sur scène « ça n’est pas ça le théâtre » (comme on a pu l’entendre à la sortie du spectacle), rappelons simplement que le théâtre est un reflet de la vie, en plus dense et plus fort. Pourquoi ne pas piocher dans l’existence, l’intime, pour fabriquer du jeu ? Sur les planches chacun devient un caractère, si ce n’est « més enllà » (« au-delà » en catalan) : un héros du monde contemporain. L’aplomb des personnages à raconter leurs histoires, à assumer le désir d’être libre en son corps, fait de ces vies un combat à la fois calme et grand.

La musique électro d’Adrien Cordier se marie parfaitement aux images projetées, magmatiques et suaves, réalisées par un groupe d’élèves des Gobelins. Ces interludes bercent la salle toute entière vers un profond sentiment d’empathie sans pathos. Dans une société qui cherche des étiquettes à coller sur les « cas » jugés particuliers, la transition de genre est d’une certaine violence. Didier Ruiz fait l’ellipse des slogans militants. Car son propos n’est pas celui d’un départ en croisade, il bien plus subtile.

« Trans » mis en scène par Didier Ruiz.
En tournée du 20 janvier au 16 mai 2019 : https://www.theatre-contemporain.net/spectacles/Trans-mes-enlla/lesdates/